組み合わせによっては非常に気になるものもあります。 「クラシック ボディ」カットでは、胸の曲線に合わせてデザインされたイッセイ ミヤケのゴールドのボディスとボディスが、ゴールドのエトルリア風ヒンジと組み合わされています。ギリシャ風のローブのラインは、色あせたアンティークを特徴とするギリシャの壺のラインと組み合わされています。これらの並置は文字通りボルトンの理論を損なうものであり、ファッションが美術史を再解明するのではなく、むしろ美術史に侵入していることを示唆している。次のセクション「抽象的な身体」では、デザイナーが身体を不自然な形状に操作するために使用したさまざまなコルセット、スリッパ、フープ スカートを紹介し、ファッションの革新を強調するというより説得力のある仕事をしています。巻いたペーパータオルの周囲に着用者の腰を締め付ける19世紀のコルセットを見つめながら、パフォーマンス中に初めて、自分が自分の体の中にいることに気づいた（そのような制約のことを考えると身をよじった）。慎重にデザインされたバッスルとクリノリンのコレクションは、衣服が、たとえ最も厳しいものであっても、生きた彫刻の一種になり得るという考えを確実に促進します。川久保玲とコム デ ギャルソンの球根状の作品など、より前衛的な変化に焦点を当てた「リサイクル ボディ」セクションにも同様の衝撃を感じました。そのうちの 3 つは、服の厳格な曲線を反映した抽象的な彫刻と組み合わされています。マックス・ウェーバー、ヘンリー・ムーア、ジーン・アープによるそれぞれの彫刻は、川久保がファッション実験を行う前に制作されたものだが、川久保が試金石に手を伸ばすのではなく、彫刻家たちがどういうわけか彼女のユニークな発明を予期していたのではないかという当惑する感覚がある。
人形のほとんどは鏡面の顔をしており、カタログによれば、その豪華さは「共同で見える瞬間」を作り出すことを目的としているが、頭は自撮りを奨励しない厄介な角度で傾けられている。ショーのために18体のユニークなマネキンが作られ、ファッション界で受け入れられている理想と体が一致しない現実および架空の人々に似せてデザインされました。 「Raw Body」セクションでは、フランス人モデルで歌手のイーズールの体から鋳造されたマネキンが登場し、ディオールの縮小版「バー」スーツを着た精悍な姿をしている。 「Disabled Body」には、小人症の活動家シニード・バークが出演し、カットオフされたバーバリーのトレンチコートを着たモデルが登場する。コートの袖をカットオフして作った帽子が、見事に装飾されています。 （なぜ、「クラシック ボディ」にそのような人形が存在しなかったのか疑問に思う人もいるでしょう。ベリーロールを描いたギリシャ彫刻にインスピレーションを得たデザイナーはいなかったのでしょうか？）「妊娠中のボディ」は、アレッサンドロ・ミケーレによるグッチのドレスを特徴とし、お腹にはビーズのトランペットが付いています。これは、女性の歩行のリスクを軽減することを目的としたデザインです。生殖器系。私が気に入ったのは、ギリシャのデザイナー、ディミトラ・パツァが彼女の独特の「ウェットルック」テクニックで作ったロングドレスで、そのメッシュ生地が海藻のように人形の妊婦の体に張り付くようになっている。
ショーの「老化したボディ」セクションのヴェトモンのアンサンブル。写真提供：Paul Westlake / メトロポリタン美術館提供
展示会の後半は規模が小さく、より親密な雰囲気になり、最終的にはスタンドから衣服を脱いで地上に降ります。 「衣装芸術」には明確な脚の動きのパターンがありません。後で知ったのですが、「死すべき肉体」ではなく、「表皮体」（皮膚の外観を模倣した衣服を表示する）で終わることになっていたのですが、そのほうが自然な結論のように思えました。いずれにせよ、ショーの後半は、タトゥー、血、老化などの直感的なテーマのためだけでなく、素晴らしい衣服を間近で鑑賞する機会を提供したため、よりインパクトがありました。シルククレープデシンを使用し、丁寧にプリーツ加工を施したヨウジヤマモトの深紅のドレスもある。血まみれの内臓が体から滴り落ちるような中里唯馬の作品。ダニエル・ローズベリーがスキャパレリのために作った作品は、ビクトリア朝の喪服ジュエリーのスタイルのボタンで装飾されています。そして、トム ブラウンのドレスは、幽霊のように衣服の黒い表面から浮かび上がる種子大のビーズで作られたパールの骸骨を特徴としています。